最有品味的二游，全行业几年都学不明白？美术掏心窝分享：别只靠感觉

美术本就是叙事的一部分。

文/大田&林致

在不少人眼里，《重返未来：1999》差异化的美术一直是游戏的长板，其“逼格”给游戏吸了不少量。

这些年，想模仿《重返未来：1999》美术的游戏不少，但真的做出来它那种复古感、神秘感和电影感，乃至于超越它的游戏，却凤毛麟角。

这背后有一个困扰了不少美术的问题：一款作品的美术风格到底要怎么拆解和定义？这也是《重返未来：1999》主美十一从新人时期就一直有的一个困惑。

5月31日，《重返未来：1999》与中国美院动画与游戏学院一起，联合举办了一场《从感性到理性——商业游戏表现风格拆解》分享讲座。讲座从这个困惑开始，为现场的学生、玩家们展示了一套可衡量的美术风格拆解方法。主美把一款作品的美术风格拆解为四个维度：造型、颜色、光影、材质，并用《死亡搁浅》《艾尔登法环》等案例进行了分析。

讲座最后以胡金铨导演为例，展示了《重返未来：1999》是怎么拆解和化用电影的美术风格的。在之后的QA里，主美还透露了这套方法背后的工作流，比如BOSS战和界面如何设计出电影感、文案和美术怎么对齐……

对于游戏美术从业者和相关专业学生来说，这套方法或许能帮助你更系统化地借鉴好作品，提升自己作品的审美和品质。以下是经整理的分享和QA内容（QA部分增加了主美后续补充的信息，可能与现场QA有所出入）：

我叫十一，是《重返未来：1999》的主美。我的工作包括指引和审核重要的美术资产设计，以及团队管理。除了部门内部的工作外，我也会深度参与到一些比较复杂、链条较长的任务中。

今天我分享的《重返未来：1999》美术创作方法，融入了我刚入行时作为新人的一些困惑与思考，希望能给大家未来的职业发展带来一些启发。

我进入游戏行业的头一两年，一直被一个问题困扰：游戏的美术风格究竟该怎么拆解和定义？

刚入职时，我感觉美术风格似乎就是二次元、写实、美式卡通三大类。虽然我们可以很感性地感知到，这些大类中的很多产品，其艺术风格很不同，却很难去拆分和描述不同的视觉风格。

但对于游戏从业者而言，仅靠感性判断无法指导团队协作。这个问题困扰了我很长时间，现在我面试新人时，也经常会问相关的问题。

从原画晋升为主美后，我与很多资深前辈探讨过这个问题，形成了一套我自己的美术风格拆解方法。

今天我会以《重返未来：1999》的美术风格作为线索，跟大家探讨如何从感性到理性拆解商业游戏的美术表现风格。

美术风格的拆解方法有千万种，我的思路是：将其拆分为造型、颜色、光影、材质四大维度。

首先来看造型维度，我把这个大维度进一步拆分为两个子维度：图形倾向与疏密节奏。

图形倾向，又叫造型倾向，是指创作者对所有视觉元素的形态、比例、线条等造型要素的稳定偏好，是贯穿整个作品的统一设计取向。

在探讨《重返未来：1999》的图形倾向之前，我们先从别的游戏中提炼一些规律。

我选了两个我非常喜欢的游戏：《艾尔登法环》和《死亡搁浅》。我们先从这两个游戏的Logo出发，因为游戏的Logo通常是设计师最精华的设计之一，很大程度上代表了产品的调性。

我们在《艾尔登法环》的Logo中可以看到很多曲线，它的图形有对称感，同时有很多锐利的尖角、破碎的轮廓。

相较而言，《死亡搁浅》的Logo更多采用长直线、方正形状与工业化圆角，辅以少量有机形状作为对比。

上面的提炼是否准确呢？我们用两部作品中的角色和场景设计来验证一下。

先看《艾尔登法环》，游戏里的角色和道具大多有对称的形状和曲线、破碎的轮廓、锐利的尖角，场景也有破破烂烂的感觉，物体的轮廓都是不完整的。

在《死亡搁浅》的画面中，我们能看到长长的直线、方正的形状，同时有一些有机形状进行点缀，比如山姆胸前的小Baby。

这样看来，我们对这两款产品图形倾向的提炼似乎是准确的。那么这些图形倾向背后对应着怎样的情绪感受？

玩过《艾尔登法环》的玩家应该都有深刻印象：对称的曲线传递出古典与宗教感，锐利的尖角带来危险感，破碎的轮廓则营造出衰败感，这些感受与游戏整体传达的气质非常吻合。

而《死亡搁浅》的图形倾向则传递出未来感与工业感，同时体现了工业与自然的冲突。

到这里，我们建立了抽象情绪感受与可视图形形象之间的对应关系，这一点至关重要。

我们把这个概念进行延展，对游戏中的其他视觉元素进行拆分与具象化描述，并与抽象的游戏体验建立对应关系，实际上就是完成了对一款游戏的风格拆解。

反过来，如果我们先提炼核心内容，或由制作人预设好目标游戏体验，再从游戏视觉的各个维度进行筛选与提炼，使视觉表达与这种抽象体验感受相契合，就完成了游戏的风格定义。这是今天分享中非常关键的核心逻辑。

现在回到主线，大家认为《重返未来：1999》的图形倾向是什么？它指向了怎样的视觉体验？

大家可以看一下游戏UI界面所使用的图形元素，以及角色卡面与立绘造型。我们大量运用优美的弧线、精细的锐角与简洁的几何图形，营造出优雅精致的视觉体验。

图形倾向就聊到这里，接下来探讨疏密节奏。

我们还是先以《艾尔登法环》与《死亡搁浅》为例进行分析。这两款游戏同属写实渲染风格，但给人的视觉感受却截然不同。

这两款游戏的角色，在轮廓与细节的疏密节奏上有何差异？如果将它们做成剪影，就能直观感受到：《艾尔登法环》角色的细节量更多，但整体对比更弱；《死亡搁浅》角色的对比更强，因为留白区域更多。

我们用冷暖色对细节密度进行可视化区分，冷色区域代表细节量少，暖色区域代表细节量多。可以看到，这两款游戏对疏密节奏的选择不同：《死亡搁浅》的细节，是70%的疏和30%的密的对比；而《艾尔登法环》的角色画面上，则铺满了巨量堆叠的细节。

那么这两种不同的疏密节奏带来了什么不一样的感受？

《死亡搁浅》的疏密节奏贴近现实生活，传递出真实沉浸、科幻前卫的感受；而《艾尔登法环》虽然采用写实风格，但在疏密节奏的取舍上却超越了现实，现实生活中很少能看到密度如此大的设计，这种设计也带来了神话史诗感与诡异恐怖感。

带着这样的思路去看，大家觉得《重返未来：1999》的疏密节奏有什么特点，它指向了什么感受？

在剪影设计上，我们倾向于用夸张的大面积，与极其精细的点线形成强烈对比，这种对比能够营造出精致感。

我们说精致的时候，不仅是一种感性描述，更是通过具体的视觉对比来呈现的。轮廓设计是其中一部分，更重要的是我们的细节高度集中在小范围区域内，大部分区域则会弱化细节。这一原则不仅适用于角色设计，也适用于场景设计。

《重返未来：1999》设计中疏密分布的特点，是倾向于用8:2甚至是9:1的强疏密对比，用极疏的大面积留白，衬托局部细腻优雅的细节，同时保留一定的真实感。

聊完了造型部分，我们接着看颜色。我会从色偏指数和饱和度两个维度探讨。

第一个维度是色偏指数。

看到游戏画面时，我们往往能轻松说出它偏暖、偏冷，或是偏红、偏黄、偏绿的色调感受。但这种模糊的感受，如何转化为更具象的表达，用来定义游戏的风格呢？

我借用了白平衡这个摄影学的概念。任何光源都有色温，当光源偏暖或偏冷时，会影响环境中所有物体的固有色，导致白色偏黄、偏蓝等。

按照这一逻辑，对画面中的白色区域进行取色，得到的色值就是白平衡，它可以具象地描述画面的色偏指数。

举个例子，《羊蹄山之魂》中的清晨画面明显呈现出偏黄绿的色调。我们可以通过采样色偏指数将其具象化，而这种色调带来的感受是什么？是怀旧、复古、亲密、舒适。

《艾尔登法环》的画面整体偏红，通过量化白平衡得到其色偏指数，这种色调传递出腐朽、糜烂、危险的感受。

《死亡搁浅》的故事背景是玩家独自在荒原中行走，缺乏人与人之间的连接。游戏的画面呈现出偏冷的黄绿色调，色彩饱和度极低，传递出孤独、虚无、疏离冷静的感受。

回到主线，《重返未来：1999》的色彩倾向是什么？带来的视觉感受是什么？

我们定义的是游戏的整体色彩基调，因为具体的色彩倾向会随不同环境与时段发生变化。游戏整体采用略微泛黄的色调，传递出复古、怀旧、温柔的感受，这暗合了游戏的复古主题。

接下来我们来看饱和度。

这是我在新人时期经常会纠结的一个问题。举个例子，同样是二次元格斗游戏，或者同样是写实风格游戏，为什么给人的饱和度感受明显不同？该如何准确描述这种差异？

这里我介绍一个叫做直方图的工具，它的横坐标代表明度，纵坐标代表不同明度下的RGB像素数量。如果觉得这个概念太抽象，可以简单理解为：画面中彩色的面积越大，其整体饱和度就越高。

我们来观察《死亡搁浅》和《羊蹄山之魂》的直方图，可以发现两者存在显著差异。

以《死亡搁浅》为例，其直方图显示颜色主要分布在中低明度区域，且分布面积较小，因此整体饱和度较低；只有在高明度区域，会有少量高饱和色彩作为点缀，呈现出工业感。这使得游戏画面整体呈现出低饱和的高级灰质感。

量化来看，游戏画面中80%到90%都是低饱和、中低明度的色彩，仅有10%到20%是高明度、高饱和的工业色。

这种色彩搭配传递出真实沉浸、清冷寂寥的感受，小岛秀夫正是想用这种孤独感，来衬托游戏中连接的珍贵。

我们来总结一下饱和度与情绪感受之间的关系：通常来说，高饱和度会传递出活力、幻想、兴奋、乐观等感受；低饱和度则会带来写实、厚重、沉思、忧郁、沉重等感受。

那么《重返未来：1999》的画面饱和度是怎么样的？整体来说，我们倾向于用低饱和的色彩，画面中80%以上的面积都是低饱和色彩，这种色彩指向的是真实感、电影感，还有严肃叙事的感受。

接下来探讨光影维度，这里我想给大家介绍影调，它同样是从摄影学中借用的概念，共分为10种。

高、中、低指的是画面整体给人的明度感受。如果一个画面一眼看上去很亮，就是高调子；一眼看上去比较暗，就是低调子。

而长、中、短指的是画面中最亮与最暗颜色之间的距离。例如，一个画面中最亮的颜色是白色，最暗的颜色是黑色，两者之间距离很长，对比度高，这个画面就是长调；如果一个画面中最亮的颜色是白色，最暗的颜色只是浅灰色，两者之间距离很短，对比度低，这个画面就是短调。

我们来看不同影调对游戏体验产生的不同影响。

《蝙蝠侠：阿卡姆骑士》有着非常典型的低长调的画面，整个画面都是暗暗的，但是有非常亮的色彩去做强烈的对比。这种画面传递出危险与压迫感，呈现了主角内心的煎熬：哥谭市危机四伏，犯罪随时可能发生。

相较而言，《守望先锋》采用中长调影调，传递出轻松、快节奏、清晰明快的感受。这是因为作为一款竞技游戏，它需要清晰的视觉效果和“每个人都能成为英雄”的积极情绪。

下面是一个非常特别的案例：《风之旅人》。其画面给人的第一感受是整体明亮的高短调，这种影调传递出禅意、治愈、柔和平静的感受。

大家认为《重返未来：1999》的画面采用了怎样的影调关系？它传递出怎样的感受？

上面是游戏的部分KV图、登录界面，可以看出我们采用了低饱和、低长调的组合，这能够传递出真实感、神秘感与电影感。很多电影也会选用类似的影调来营造相同的氛围，例如《哈利·波特》系列。

最后探讨材质维度，我们主要聊一聊材质归纳度。

它指的是游戏呈现的材质种类丰富度：归纳度越高，材质种类越少；归纳度越低，材质种类越多。与材质相关的还有肌理风格，包括手绘、PBR等。

还是看《风之旅人》这个案例。它是非常典型的材质归纳度很高的游戏，整个游戏可能只有4种左右的材质，肌理几乎都是平涂。

这款游戏之所以采用这种设计，是为了移除大量非必要信息，让玩家的注意力集中在核心情感体验上，从而传递出幻想与诗意的感受。

而中等归纳度的《守望先锋》，它的材质数量可能有数十种，肌理采用手绘纹理+PBR的混合，视觉效果清晰易读、细节耐看。这种材质设计指向高辨识度、竞技感与动感未来的设计目标，而辨识度正是竞技游戏画面很重要的标准。

然后是《生化危机9》中的里昂，这款游戏的材质归纳度很低，材质有千万种，它几乎不去分类材质，而是按照真实世界去做材质融合。理论上现实世界有多少材质，这类游戏就可以做到多少种材质，其肌理也接近真实。这样的材质带来的感受是逼真、沉浸的，其设计目的是营造令人不安的恐怖感。

回到《重返未来：1999》，我们采用了偏低的材质归纳度，虽然未达到纯写实程度，但比《守望先锋》的材质归纳度更低。

在肌理方面，游戏通过带有绘画感的笔触模拟真实物理表现，从而传递出真实沉浸的厚重历史感与电影感。

聊到这里，我们已经掌握了基本的风格拆解方法。接下来，我将以胡金铨导演的电影剧照为例，拆解他的艺术风格。

我将他的艺术风格拆解为4点：第一，色彩偏黄绿色调，但在冷暖上倾向于中性；第二，采用了低长调的影调；第三，舍弃了暗部细节，保留了亮部细节，虽然这一定程度上是当时的摄影技术导致的，但也形成了独特的视觉风格；第四，构图追求远意，学习了宋元山水画。

如果我们要在《重返未来：1999》的某个版本中融入胡金铨导演的艺术风格，同时保持游戏原本的调性，那么不同的人，做不同的取舍，可能都会取得不一样的结果。

在《重返未来：1999》3.4版本中，我们迁移了胡金铨风格偏黄绿的色偏指数与低长调影调关系；画面中的烟雾留白，是对其构图方式的借鉴；画面暗部几乎没有细节，细节集中在亮部，以此模拟复古影视感；同时，我们保留了游戏原有的造型语言、材质塑造方式与细节密度。

今天的分享到这里就基本结束了，希望大家在未来的创作中，能够从感性的灵感中找到理性的线索。由于时间关系，今天介绍的这个框架还很简单，不能囊括游戏风格拆解的所有方面，更多内容就留待大家自己去探索和观察了。

A：从《重返未来：1999》这类偏重内容型产品的视角来看，在有足够基本功的前提下，有这么几点很重要：

第一，内容挖掘与视觉转译能力。这意味着你具备敏锐的内容与情绪感知力，能够将抽象的情绪、感受或内容转化为视觉设计，并且无需额外解释就能让他人准确感知到。这种能力比单纯打磨绘画技法更有优势，能够支撑起作品的内容厚度；

第二，换位思考能力。你需要尝试理解游戏研发的完整流程，同时站在玩家角度审视自己设计的用户体验。与只能单维度从创作者视角看待设计的人相比，具备换位思考能力的人才是研发团队真正需要的，这也是从学生转变为成熟研发者的关键指标；

第三，关注稀缺岗位机会。角色原画是美术类岗位中竞争最激烈的，而游戏美术还有很多同样关键的环节：特效、动画、UI、分镜等。这些岗位的竞争压力相对较小，当然，同样需要优秀的内容理解能力与创造力。

A：电影质感是《重返未来：1999》很重要的关键词，我会尝试从不同的维度来解释我们的做法：

第一，在整个产品层面，今天的分享已经介绍了我们在画面的影调关系、色偏、饱和度、细节量等方面的取舍；

第二，我们剧情插图的构图方式区别于普通的插图。

常见的商业插图要求构图高度完整，有自洽的视觉闭环，没有意外的剪裁或动势中断，更像是摆拍。

我们的插图更像是电影剧照，它有偶发性、不完整性、留白等特点，能够传递真实感以及“故事正在发生”的感觉。这种设计理念可以增加我们AVG演出的电影感。

游戏对话插图

第三，在一些重要的系统中，我们会利用在3D空间里的连续运镜，来实现不同界面的跳转，而不是常见的界面硬切。游戏里的肉鸽界面、前线观察室的界面转换就是例子。

“无声综合征”玩法内部开发演示界面（非实机）

第四，在角色战斗演出中，我们借鉴和模拟了影视的效果，包括不同焦段的景深、镜头模糊、动态模糊、色散、镜头运动强调空间的错动等，这让我们的战斗即使只有2D小人，也会带上一些影视的质感。

A：我们会保持视觉调性关键维度的一致性，正如前面分享中提到的，一贯的饱和度、影调关系等核心标准不会改变。

但我们会在色彩偏向、构图风格等其他维度进行调整，再加上题材变化天然带来的设计元素与内容变化，就能实现统一性与差异化的平衡。

A：首先，《重返未来：1999》是一款非常重内容的产品，我们希望所有视觉资产都能够贴合内容表达，因此无论是角色设计、卡面设计还是剧情场景绘制，都有大量基于故事内容与时代文化背景的框架约束。

在此前提下，无论是内部设计还是外部合作，我们给出的设计需求都相对详细具体，设计师的发挥空间是内容表达的延伸。例如数羊羔，其概念是克隆羊，但视觉上那个形似羊蹄的衣袖，就是设计师基于内容的发挥。

游戏角色数羊羔

关于美术创新的边界，我们会基于有根基、有来源的内容进行再创作，希望设计结果是有考据和挖掘空间的；同时，无论是什么时代与文化背景的内容，我们都希望其底色具有人文情怀，能够与当下的普通人产生共鸣。

我们不只想在时代洪流中书写史诗，更想在细微之处照见具体的人。

A：在宏观层面，我们是文案和内容先行。在确定故事大纲和基本人设之后，我们才会转到美术和策划，围绕内容轨道进行探讨和创作。

在故事内容确定阶段，文案侧会提供一些具有美学指导意义的参考方向，美术侧则会根据这些方向进行美学提炼，形成风格描述图板。

我们会通过多张关键参考图，对当前版本的视觉调性进行说明，然后在各个环节进行针对性的风格拆解与定义，例如场景、GUI等环节都有各自的版本风格拆解文档。完成这些工作后，团队才会进入正式生产阶段。

在微观层面，某些复杂、长链条的任务中，比如大招、AVG演出或者3.7版本BOSS演出，我们会设置专门的导演角色。

导演需要完全理解内容与玩法框架，设计玩家体验曲线，并通过动态分镜进行设计验证。在此过程中，他还要和核心文案、策划保持高频沟通，不断调整设计方案。

设计方案确认后，由导演将任务拆分到各个执行环节。我们会从玩家体验出发，统一所有环节的设计目标，再由导演把控设计质量，并向各个环节不断重申核心设计目标，确保最终所有产出整合后能够达到预期的体验效果。

这里有一个参考案例，是我们3.7版本BOSS战的设计图，展示了前期我们如何围绕玩家体验进行流程设计。

A：文案老师一开始会提供初始选角与当期大主题，我们会先从视觉角度思考，如何用具有系列感的画面来诠释版本主题。

例如，用画卷壁画的古画质感统一志怪主题，用强调互动感的长构图与扇面元素统一武侠主题。

3.4版本“红尘我为客”系列皮肤

我们会先进行灵感发散，尝试各种可能性，然后文案与美术共同讨论，最终收束到一个核心方向。明确视觉主题后，就进入每个皮肤的具体设计阶段。

此外，我们的皮肤设计还有一个重要特点：文案老师会为每个角色赋予一个在具体时代文化背景下的身份，美术会在有考据依据的内容背景下推演视觉设计。

这样一来，皮肤就不再是单纯的换装，也不仅是符合时代背景的Cosplay，而是人物在那个时代文化背景下真实存在的身份。

A：从创意来源来说，我们一定还是扎根在内容上。文案老师提供的世界观概念本身就非常有趣且富有创意。

这种独特的内容灵感，结合我们具有真实感与影视感的视觉表现，本身就具有戏剧张力。

从设计方法来说，我们会在一些特定的设计课题中追求荒诞感，这也是《重返未来：1999》的独特品味之一。

要达成有荒诞感的设计，我会用一种叫错位嫁接的设计手段，让熟悉的事物以陌生的、不合时宜的方式重组：

比如功能和形式的错位：一把枪开出玫瑰；尺度比例的错位：把日常的物品放大到一栋楼的大小，或者把一个房间缩小到一个手提箱中。

A：这是我在游戏研发过程中一直在持续思考的问题。与其说美术为叙事服务，不如说美术本身就是叙事的一部分。

这能让叙事体验更合理、沉浸，也让我们有机会做更深度、严肃的表达，从而在叙事调性上与同类产品形成差异化。

游戏关卡界面

当然，这也要求视觉设计更加克制，会在单一视觉张力上有所收敛，这是我们为整体体验付出的代价。

但我们真正的核心竞争力，其实是叙事与游戏体验的深度融合，而不是单向的美术服务叙事。

比如3.7版本的BOSS战，我们没有用文字或CG来讲主角团艰难取胜的故事，而是通过视角转换、特效设计、血条动态这些细节，提前规划好了完整的情绪体验曲线：

3.7版本Boss战，通过视角转换体验技能演出

玩家在第几个回合体验压抑与困难，第几个回合产生情绪触动，第几个回合情绪开始上扬，第几个回合释放爽点，第几个回合完成情绪收尾……这样就可以让玩家自己参与叙事。

所以我们追求的从来不是美术为叙事服务，而是努力用游戏这个独特载体做好叙事。